Galería de fin de siglo

Continuando con la presentación de algunas de las obras de nuestro artista invitado en 2018, traigo otra Exposición Impresionista con el mismo entusiasmo que la anterior (07/05/18), animándome a rescatar que cuánto más conocemos sus obras, más nos enamoramos de su pincel.
Visitantes y amigos: ¡Quedan invitados a la muestra de. . . !

Invitación a la Segunda Parte de la Exposición

Claude Monet en el año 1899. 
Fotografía tomada por Nadar
Nombre completoOscar-Claude Monet
Nacimiento14 de noviembre de 1840
París, Flag of France.svg Francia
Fallecimiento5 de diciembre de 1926(86 años)
Giverny, Flag of France.svg Francia
NacionalidadFrancesa
ÁreaPintura
MovimientosImpresionismo
FirmaMonet autograph.png

"El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo". Claude Monet

Obras de: Oscar Claude Monet (década de 1880)
Estilo:      Impresionismo


"Jarrón de girasoles", 1880,
 Metropolitan Museum of Art de Nueva York.


"En la costa de Trouville", 1881,
  Museum of Art de Boston.

"Casa del guarda de Aduanas en Verengeville", 1882,
 Museo Boymans Van Beuningen, Rotterdam.

"Mar tormentoso en Etretat", 1883,
 Museo  Beaux-Arts en Lyon.

"Bordighera", 1884, Instituto de Arte de Chicago.

"Escarcha", 1885, en Colección particular.

"Dama con parasol", 1886, Museo de Orsay, Paris.

"Jóvenes Damas en una barca", 1887, 
Museo Nacional de Arte occidental, Tokio.


A mediados de la década de 1880, Monet es considerado por la crítica como el dirigente de la escuela impresionista y valorado como maestro de la observación meticulosa.

"Dos jarrones con crisantemos", 1888, en Colección particular.

"El gran Creuce en el Puente de Vervy", 1889,
en Museo de Arte de Filadelfia.

Obras de: Oscar Claude Monet (década de 1890)
Estilo:      Impresionismo

En esta época, Monet desarrolla el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. En 1890 adquiere una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, donde comienza a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) -un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú-. . .

"Álamos a la orilla del Epte", 1890,
en Tate Gallery, Londres.

Durante esta década, Monet, acentúa paulatinamente los efectos luminosos hasta llegar en ocasiones a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí.
Ningún pintor del grupo que integraba Monet, fue tan puramente impresionista como él mismo. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.

 Serie: Álamos

"Álamos, efectos blancos y amarillos", 1891,
Museo de Arte de Filadelfia.

"Álamos", 1891, Colección privada.

"Álamos a la orilla del Epte, efecto atardecer", 1891, 
en Colección privada.

"Álamos a la orilla del Epte, crepúsculo", 1891, 
Museo de Arte de Boston.

"Álamos", 1892,  Fitzwilliam Museum, Cambridge

"Mañana en en Sena en Giverny", 1893, en Colección privada.

Serie: Catedral de Ruan 

En 1892, Monet visita  Rouen, Alta Normandía, NE de Francia y comienza a pintar su serie de las catedrales de Ruan. Pinta desde tres ubicaciones separadas delante del edificio y en diferentes momentos del día. Las obras son completadas en su Taller en 1894.





Serie: Portada de la Catedral de Ruan 





Series de Monet conservadas en distintas
Instituciones artísticas de Europa

"Casas rojas en Björnegaard, Noruega", 1895,
 en Museo Marmottan de París.

Comentario sobre esta pintura*

Debido a que el invierno de 1895 no fue lo suficientemente frío en Giverny y ya que Monet deseaba pintar paisajes invernales, se trasladó en enero a Noruega , instalándose en Björnegaard. Tras una etapa de depresión, empezó a pintar los fiordos y las casas del pueblo, interesado por el efecto colorista de la luz sobre la nieve que cubría las calles y los tejados de las casas, contrastando en esta ocasión con las tonalidades rojas con las que estaban pintadas las paredes. Las pinceladas son fluidas y vibrantes, interesado más en captar la sensación atmosférica que en el detallismo arquitectónico. El propio artista decía: "el motivo ya no es esencial para mí. Lo que yo buscó reproducir es lo que sucede entre el motivo y yo".

"Acantilado en Pourville", 1896, en Colección privada.

"Brazo del Sena cerca de Giverny", 1897,
Museo de bellas Artes de Boston.

"Mañana en el Sena, tiempo lluvioso", 1898, 
Museo Nacional de Arte occidental, Tokio.


"Estanque de las nenúferas, armonía en verde", 1899,
 Museo de Orsay, París.

(Continuará)

Algunas fuentes de esta entrada:

* http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/11720.htm
   http://www.artehistoria.jcyl.es/
   http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet





No dejes de revisar las entradas que llevan la Etiqueta: Pintura. Ellas son siempre un placer para el alma.


Comentarios

Publicar un comentario

La conexión es sabiduría. Gracias por conectarte!

Las que gustaron

La desnudez hiperrealista: Kelsey Henderson

Imagen
El  Hiperrealismo  encuentra una veta propicia en las pinturas de desnudos femeninos. Así nos encontramos con obras artísticas que nos recuerdan las fotografías de una cámara digital y hasta nos siembran la duda de serlo. Hoy, les traigo pinturas  hiperrealistas  de la joven pintora estadounidense  Kelsey Henderson.   Nacida en Massachusetts, EEUU,   en 1982, actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Aparentemente influida por la fotografía de moda y sin lugar a dudas por el Fotorrealismo, el trabajo de Kelsey Henderson es considerado de una belleza carente de sexo, que hace caso omiso al género y que abarca los defectos físicos y emocionales de sus modelos.  Henderson dice: "La gente que he elegido no son perfectos ni de un encanto convencionales, sino que su belleza cruda y real crea una singularidad que atrae interés para mis pinturas".  Sus desnudos están más cargados de di
Continúa

Pinceles con aroma a flores: Alexei Antonov

Imagen
Octubre, acompañado del resurgir de la vida que trajo la Primavera y con ella, las flores. Hoy disfrutaremos éstas, logradas por el pintor ruso contemporáneo, Alexei Antonov.   ¡Ah, las flores!. . . esas bellas creaciones de la Naturaleza. Cada una dentro de sus incontables variedades, con sus mágicos colores y diseños, con su simbolismo relacionado con el amor y la gratitud, la alegría y la tristeza, han inspirado a los artistas a plasmarlas en sus distintas expresiones.  Tal vez, los Pintores que pintan flores, sean quienes más les han dedicado su talento y tiempo. Existen muchas Escuelas, técnicas y estilos para llevar a cabo tamaña empresa. De ellos, Alexei Antonov: Artista contemporáneo que nació en Rusia en 1957, es un fiel exponente de la técnica de los maestros clásicos y sus óleos de flores, principalmente rosas, con asombrosos resultados hiperrealistas. Durante toda su infancia dibujó, y en la escuela sec
Continúa

Pintores que pintan flores:Alexander Sergeev

Imagen
Las flores: alimento para el alma, regalo para los ojos. Hoy,  una muestra imperdible de bellos Bodegones de flores pintados al óleo sobre lienzo, con pincel y espátula. Pintor invitado del  Siglo XX-XXI Alexander Sergeev “Yo pinto al óleo, con pincel, y espátula Z, dice Sergeev. Mi pintura es brillante, gruesa, llena de luz, con movimiento y ritmo musical. Armoniosamente se funde con el alma de la Naturaleza a la que, trato de comprender y plasmar en la creatividad” Alexander Sergeev Nació en Moscú, Rusia, en 1968. Estudió y completó su carrera en arquitectura y mientras era estudiante de la misma despertó su interés por la pintura, especialmente en el “Fine Art”, pasando a estudiar Bellas artes. Es miembro de la Unión de Arte creativo de artistas profesionales de Moscú. Las flores en sus floreros Alexander Sergeev ha exhibido sus obras en galerías
Continúa

Dos flores

Imagen
Una muestra que honra a las flores y destaca la frescura femenina. Las flores han sido y son una gratificación espiritual que la Naturaleza nos ha regalado para alimento de nuestra alma. Y el artista, así lo ha entendido, porque las ha representado desde siempre, haciendo perdurar su belleza sólo comparable con la de la mujer. En la historia del Arte pictórico, innumerables pintores han exaltado en sus obras esa exquisita combinación de ambas.  De la mano sensible de aquéllos cuya inspiración se ha nutrido en esa asociación de belleza:  flor  y  mujer , asistimos a esta exposición como parte del  colofón  al tema del género del Bodegón o Naturaleza muerta y sus composiciones apasionantes. Pintores invitados del  Siglo XX : Vladimir Volegov  María Illeva Vladimir Gusev Francisco Sanchis Cortés Una sensible y bella combinación de flor y mujer que configura un estallido de color de la delicada paleta y experto pincel  de:   Vladimir Volegov  Nació  e
Continúa

El Ave Fénix

Imagen
“Renacer de las cenizas como el Ave Fénix” ¿Quién, en algún momento de su vida no ha acudido a esta frase o similar, para explicar que, a pesar de los contratiempos, los obstáculos, las malas rachas y todo lo negativo que pueda amedrentarnos y hacernos tambalear, hasta el punto de casi desaparecer, siempre existe un rincón de nuestro cuerpo, mente y alma que nos llama a no dejarnos vencer, a presentar batalla contra la adversidad y a superarnos con el último aliento? Hay en nosotros, entonces, reminiscencias del Ave Fénix. Gozamos, pues, de esa energía idéntica o muy semejante a la hallada en la Mitología antigua. En la Mitología Griega, el Fénix correspondiente al Bennu egipcio, es un ave mitológica del tamaño de un águila, de plumaje rojo, anaranjado y amarillo incandescente, de fuerte pico y garras. Se trataba de un ave fabulosa que se consumía por acción del fuego cada quinientos años, para luego resurgir de sus cenizas. Según algunos mitos, vivía en una región
Continúa